Konstantin und Trigorin

Angesichts dessen, daß ich mich auf eine jener Professuren, deren Besetzung dort drüben ebenso wortreich wie, na, pardonnez-moi, irgendwie doch auch ein wenig minderbemittelt attackiert wird, auch beworben habe, bin ich ja fast froh, nicht genommen worden zu sein. Oder auch gerade nicht: Wer sich von so einem Wortwust einschüchtern ließe, hätte ja nun auch nicht das Zeug dazu, Kunst zwischendurch mal wieder ernst zu nehmen - was die Verfasser des Pamphletes, so scheint’s mir zumindest, gar nicht tun. Weil sie vermutlich gar keine Ahnung von dem haben, was sie kritisieren, und Lehrer fordern, die es ihnen gleich tun. Na, und mich da eines Besseren belehren zu lassen, das hätte mir dann doch gefallen.

Weiß gar nicht, ob meine Unterlagen je zur Berufungskomission vorgedrungen sind, Frau bin ich auch nicht. Bin wahrscheinlich sofort wegen “zu  wenig künstlerisch” auf irgendeinem Abweisungs-Stapel gelandet, jenem für doofe Kommerzheinis. Als ich dann las, daß Pepe Danquard die Stelle erhielt, konnte ich daran gar nix Schlimmes finden, hatte dieser in seinem Film über die Tour de France doch einen Blickwinkel in’s Bild gesetzt, der das Medium in einer bestimmten Hinsicht auch wirklich ausreizt und neue Perspektiven schafft. Okay, da ist mein Oeuvre viel breiter gefächert und in der Tat kommerzieller angelegt, hat eher inhaltlich Maßstäbe gesetzt, hat formal auch Gruseliges in Bewegung gesetzt, kann ich ja nix für, und ich bin trotzdem verdammt stolz darauf.

Wenn ich dann allerdings das folgende lese:

“Wir glauben nicht an Spielfilmrezepte, nicht an Fernsehästhetiken, nicht an die Masse des Gebrauchsfilms und wir wollen uns nicht als Auszubildende in einem solchen Parametersystem wieder finden.”

… dann frage ich mich trotzdem, was das eigentlich heißen soll. Sind doch Floskeln. Insbesondere dann, wenn weiter unten sich dann zwei außerordentlich widersprüchliche Aussagen finden:

“Unbegrifflichkeit macht Kunst für uns aus.”

und:

“Wir brauchen einen Lehrkörper, der Assoziationsräume öffnet, Theoriebögen schlägt, Kritik argumentieren kann, philosophische Auseinandersetzungen mitträgt, allgemeine wie persönliche Diskurse befruchtet und eine inspirierende, tatsächlich interdisziplinäre Umgebung schafft.”

Und das dann im Sinne des reinen, nicht-begrifflichen Ausdrucks? Oder wie? Literatur nunmehr der Kunst entäußert, und Dokumentarfilm habe mit Begriffen nix zu tuen? Wie jetzt?

Nix gegen Widersprüche, die sich nicht auflösen lassen, aber das kippt wirklich in Nonsens um, so in Kombination. Adornos Nichtnachlassen in der Arbeit am Begriff, der über sich hinauszutreiben, zu dynamisieren ist, scheint den sich Sloganhaftigkeit ergebenden Studenten da drüben zumindest noch niemand beigebracht zu haben. Nicht-begrifflich landet man zumindest nicht bei interdisziplinären Diskursen, noch nicht mal beim Sex. Gruselig auch das Konsumentenschema den Professorenbiographien gegenüber:

“Als Vorbilder fordern wir Menschen, die ihr Metier leben und lieben – über sich hinaus auf ein künstlerisches Mehr verweisend.”

Ja, Frau Goetsch hat sich neulich gegen den Herren von der FDP gewandt, dieser solle nicht für Raucherzonen plädieren, er sei schließlich Vorbild. In irgendeiner Fernsehdiskussion vor der Wahl war das, wo Herr von Beust jeden Satz mit den Worten “Ich will!” oder “Ich will nicht!” begann, ein Gestus, der den Verfassern des Pamphletes auch nicht fremd zu sein scheint. Und woher wissen die denn, daß man als Kommerzheini sein Werk nicht auch lebt und liebt? Und wie man das tut? Da fühle ich mich tatsächlich persönlich angepißt. Was eine Hybris.

Wer das künstlerische Mehr eines Films über die Tour de France nicht wahrzunehmen vermag, scheint doch über einen sehr spezifischen Begriff von Kunst zu verfügen und den dann auch der Welt verordnen zu wollen. Klar fällt da auch der Satz: “Für Filmkunst darf es keine normative Definition geben”, genau davon findet sich aber jede Menge im Text selbst: Spielfilmlänge z.B. scheint jedenfalls tabu zu sein, oder wie ist der folgende Passus zu verstehen:

“sondern als singulärer, künstlerischer Ausdruck, dessen Wertigkeit nicht an seiner Länge messbar ist. Es hat es nicht nötig, sich an den Konventionen des abendfüllenden Programms zu orientieren.”

Schön wäre es ja, wenn man den Eindruck hätte, daß die Verfasser auch nur die geringste Ahnung davon haben, wie denn die Verwertungslogik, die Logik der industriellen Fertigung und die Konvention, gegen die vermeindlich sie sich richten, beschaffen sind. Nur dann kann man sich auch künstlerisch-kritisch dazu verhalten - übrigens auch und gerade dazu, daß es die Singularität ist, die die Malerei auf Kunstmärkten zu diesen ungeheuren Preisen trieb. Verknappung und Exklusivität sind halt Kennzeichen jedes Hochpreissegmentes, ebenso wie das Ausscheren aus dem “Gewöhnlichen”, z.B. der gängigen Fernsehästhetik. Und so’n Autorenname ist auch ein Markenzeichen.

Diese Berufung auf den Autorenfilm der 70er ist mir eh bei der HfbK ein Rätsel, Roland Barthes hatte ja gute Gründe, den Tod des Autors zu beschwören. Und das Medium Film ist genau deshalb so reizvoll, weil es zumeist Teamwork ist, es sich kommunikativ konstituiert: Cutter, Kameramänner, Beleuchter und all die Leute, die man auch beim Dokumentarfilm braucht, liebt und mit denen gemeinsam man eine Welt erschafft die eben mehr ist als die Summe jener, die ihr zuarbeiten, genau das macht doch das Einzigartige dieses Mediums aus. Und der so gemeinschaftlich erzeugte Gegenstandsbezug. Das unterscheidet den Dokumenatrfilm ja von anderen Formen bildender Kunst. Er ist auch ein Crossover zwischen Journalismus und künstlerischen Mitteln, schon deshalb geht die Argumentation dort drüben schlicht fehl. Als Dokumentarfilmer hat man Hunter S. Thompson und Truman Capote ebenso ernst zu nehmen wie Kafka oder Beckett. Und auch den “Ulysses”.

Wim Wenders wußte doch, wieso er Nick Cave und solche Leute auf die Bühne stellt im “Himmel über Berlin”: Weil Kunst in Relationen verortet ist und kein Medium besser dazu taugt, diese auch zu reflektieren, als eben der Film.

Da greifen Sinn-Ebenen ineinander und kommentieren sich wechselseitig, Ton (!!!), Text und Bild prallen aufeinander oder vereinen sich, je nachdem, und dieser “Zeitkunst” (wie auch die Musik oder das Fussballspiel es sind) eröffnen sich Erlebnisräume, die für den einzelnen, sich ausdrückenden Künstler viel zu groß sind. Genau deshalb malt der Daniel Richter doch so großformatig und schreibt dann “Captain Jack” darauf, genau deshalb liebt er “Buffy im Banne der Dämonen” : Weil er es weiß. Genau deshalb die Referenzen auf “Freitag der 13.” bei Peter Doig und die Verfielfältigung der Marilyn bei Warhol.

Insofern ist es mir auch unverständlich, welche gesellschaftliche Vision und Verantwortung sich bei Leuten zeigt, die sich so inständig weigern, in Konfrontation mit Realitäten, z.B. ökonomischen, zu treten. Und damit meine ich ganz ausdrücklich nicht den Protest gegen Studiengebühren oder sonstige “Reformwerke”, diese ganze Kritik am Institutionellen teile ich, aber, wie der Volksmund sagt: Schütte das Kind nicht mit dem Bade aus.

Man muß diesen ganzen Creative Writing und “wie schreibe ich ein Drehbuch”-Müll schon kennen, will man sich zu ihm verhalten. Man muß schon wissen, wie Guido Knopp - formal - arbeitet, wenn man was gegen ihn hat. Dann, und nur dann, kann man’s nämlich anders machen.

Ohne die Poetik des Aristoteles und dem, was aus ihr wurde, wären Tschechows Stücke nur halb so lustig, und der Konflikt zwischen Konstantin und Trigorin in “Die Möwe” gar nicht verständlich, geschweige denn die Struktur des Werkes - und solchen Werken raubt auch die Verständlichkeit nicht ihre Magie. Das Genie eines Picassos verweist auf die Salonmalerei, und genau deshalb konnte er so virtuos die frühe Moderne fortschreiben.

Nur wenn die Studenten da an der HfbK sich so inständig weigern, Salonmalerei, RTL2-Reportagen und die Rezeption C.G. Jungs in Hollywood zur Kenntnis zu nehmen, werden sie bei Gesellschaft nie ankommen. Schade eigentlich.